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Tout artiste a besoin d’une excellente bio. C’est la première chose que les fans et les journalistes regardent pour se faire une idée du projet, ou avoir un aperçu de la philosophie et des origines du groupe. Une bio peut être une description basique expliquant qui vous êtes, d’où vous venez et quel genre de musique vous jouez, mais elle vous donne également l’occasion de raconter une histoire unique. Les musiciens doivent souvent écrire leur propre bio lorsqu’ils se lancent. Ce processus peut se révéler difficile et peut être comparable à écrire un CV. De nombreux artistes ont le sentiment qu’une bio les force à se justifier et à promouvoir leur musique d’une manière parfois embarrassante. Vous devez trouver le bon équilibre et faire une présentation excitante de votre groupe tout en n’en faisant pas trop.
Alors, comment écrire une bonne bio accrocheuse ? Voici quelques conseils des choses à faire et à éviter pour vous aider à vous lancer :
À éviter :
· 
Ne vous passez pas complètement de bio. Les gens risquent d’être perplexes si vous ne donnez aucune information sur vos plateformes en ligne. Des journalistes peuvent vouloir écrire un article sur vous ou passer un de vos morceaux à la radio, à la TV ou dans une playlist, etc., mais ne savent pas quoi dire à votre sujet. Donnez-leur des informations pour qu’ils puissent faire votre publicité.
·  N’utilisez pas toujours les mêmes textes. Il peut arriver que des promoteurs ou des professionnels de l’industrie n’aient besoin que d’un paragraphe ou d’une phrase pour décrire votre groupe et votre musique. Mais certains programmateurs de festivals ou interviewers peuvent vouloir un article complet vous concernant. Vous ne pourrez pas utiliser la même bio à chaque fois. Il est bon d’écrire une bio complète (environ 500 mots, mais la taille peut varier) et d’utiliser certains extraits à des fins spécifiques. N’hésitez pas non plus à reformuler certains passages selon le contexte dans lequel la bio sera utilisée. Il est bon d’avoir une version standard racontant l’histoire de votre groupe, mais devrez parfois faire des modifications pour mieux l’adapter à la situation.
·  N’incluez pas des informations ou des descriptions sans intérêt. Il s’agit d’une tâche difficile et subtile, car vous vous devez tout de même partager quelques informations dans une bio. Mais vous n’avez pas besoin de lister toutes les écoles dans lesquelles vous avez été, les détails de votre premier concert, etc. Essayez de vous mettre à la place de quelqu’un d’extérieur, et choisissez les informations cruciales, les choses qui vous ont mené là où vous êtes aujourd’hui. Il est également important de donner une idée de votre son en vous plaçant dans des catégories génériques, mais ne vous lancez pas dans une longue description extravagante de votre musique – l’auditeur pourra décider de lui-même ce qu’il en pense. Il est facile d’avoir l’air ringard en utilisant trop d’adjectifs pour parler de sa propre musique.
Passons maintenant aux points positifs. Que pouvez-vous faire pour faire sortir votre bio du lot ?
À faire :
Présentez des faits. Vous êtes en train de sortir un nouveau single, un EP ou votre premier album ? Faites savoir aux gens où 
vous vous situez dans le développement de votre carrière et de votre groupe. Le public veut connaitre votre actualité et vos projets pour l’avenir. Y-a-t-il quelque chose de spécial à propos de cette sortie, de cette tournée, ou de la composition du groupe ? Si tel est le cas, racontez en l’histoire ! N’hésitez pas y mettre un peu d’humour, de caractère ou de mystère : une simple énumération de faits sera sûrement un peu ennuyeuse.
Créez ou révélez vos personnalités. Qui êtes-vous, qui sont les membres de votre groupe ? Comment vous êtes-vous rencontrés, comment avez-vous commencé à jouer ensemble ? Confiez quelques détails personnels, et pas seulement des évidences. Essayez de partager des détails insolites, montrez aux gens qu’il s’agit d’un projet spécial. Cette partie de votre bio n’a pas forcément besoin d’être tout à fait exacte. Vous pouvez être un peu fantaisiste, la musique étant une forme d’art. Mais votre histoire se doit de coller à votre personnage. Ne vous créez pas un passé difficile et sortant de l’ordinaire si votre présence sur scène ne lui correspond pas. Vous devez être convaincant et vous approprier votre image artistique. S’il est clair que vous en rajoutez, vous n’obtiendrez pas l’effet désiré !
Vous pouvez toujours demander à un ami d’écrire votre bio. Il s’agit parfois du meilleur moyen d’obtenir un bon texte neutre. Si certains de vos amis sont journalistes, écrivains ou tout simplement passionnés de musique, demandez-leur d’essayer. Vous pourrez effectuer des modifications par la suite, mais avoir un point de vue extérieur est toujours utile. Vous pouvez aussi écrire la première ébauche puis demander à ce que le texte soit corrigé. Dans tous les cas, il est bon de demander de l’aide. Jetez un œil à notre article dédié pour savoir quoi faire et quoi déléguer dans votre carrière.
Lisez les bios de certains de vos artistes préférés pour trouver de l’inspiration. Ce faisant, vous pourrez voir ce qui marche pour un groupe qui a réussi !
 

Tout le monde a son histoire et ses motivations pour faire de la musique. Que vous ayez appris à jouer d’un instrument pendant votre enfance, ou que vous soyez tombé amoureux d’un musicien ou d’un album, peu importe : il y a forcément quelque chose qui vous a poussé à prendre une guitare et à commencer à gratter. Il arrive cependant toujours un moment où l’artiste cherche de l’inspiration et se pose des questions existentielles. Comme l’écrit Grimes dans un récent article pour réussir à être son propre patron (en anglais), « La seule chose que vous ne trouverez pas sur Google, c’est comment être créatif et original. » Et elle a raison. Mais il y a quelques astuces pour surmonter vos doutes et votre manque d’inspiration :

1.      vous comparez pas à d’autres musiciens. Ce n’est pas parce que vous n’êtes pas aussi connu que Rihanna ou que vous ne chantez pas aussi bien que Beyonce que vous n’êtes pas un bon musicien ou que vous n’avez pas de talent. Vous perdrez beaucoup de votre précieux temps de création à vous comparer aux stars ou à d’autres groupes. Vous devez simplement trouver votre créneau et vous y consacrer à fond. La musique est riche car elle est diverse et il y a des fans dans tous les genres. Les gens aiment une expression authentique plutôt qu’une pâle copie de ce qui se fait déjà.
 
2.      Ne vous mettez pas trop de pression artistique. Il est difficile d’écrire une chanson, et chacun le fait à sa manière. Vous devez comprendre vos intuitions et votre façon de faire et vous y fier, que vous écriviez dans les transports en commun, avant de vous coucher, ou tous les matins à 6h00. Certaines personnes préfèrent composer de nombreux morceaux puis n’en choisir qu’une dizaine pour leur album, alors que d’autres passent 10 ans à écrire des titres un par un. Si vous voyez que quelque chose ne fonctionne pas, abandonnez et essayez autre chose. N’attendez pas que l’inspiration vous vienne, vous risquez seulement de douter encore plus. Occupez-vous avec des loisirs, des activités physiques ou d’autres tâches en rapport avec votre groupe. Vous vous sentirez au moins productif et utile. Personne ne peut passer ses journées à écrire des chansons. Vous serez toujours un musicien même si vous passez quelques heures à faire autre chose que de la musique.
 
3.      Écoutez de la bonne musique. Personne n’écrit de morceaux à partir de rien. Essayez de garder un esprit ouvert et d’explorer de nouveaux horizons musicaux. Écoutez de la musique de différents styles et époques, et notez ce que vous aimez ou non. Ne vous reposez pas sur vos lauriers parce que vous avez défini votre son et que cela vous convient. Il est important d’innover constamment et de respecter le travail d’autrui. Jetez un œil à ce que font les autres groupes et tenez-vous au courant de ce qui marche. Allez voir des concerts, rencontrez d’autres groupes de votre région et échangez avec eux. Tout cela vous permettra de mieux comprendre votre place dans l’industrie. Il est important de se faire des contacts, et de créer des connections et des collaborations. Impliquez-vous dans ces actions et l’inspiration, les tournées et les concerts viendront d’eux-mêmes.
Vous vous rendrez peut-être mieux compte du niveau vous souhaitez atteindre avec votre musique, de l’importance que cela a pour vous d’être professionnel, ou si au contraire vous jouez de la musique tout simplement parce que vous aimez ça. Soyez réaliste mais ne perdez pas espoir. Il y a de nombreux rôles à remplir, et tous les musiciens doivent passer par des doutes et beaucoup de travail avant de trouver un équilibre durable.
 

Bien qu’internet ait énormément aidé les artistes indépendants à accroître leur audience, il a également apporté son lot de problèmes, notamment dans le règlement des paiements. À l’époque du CD, c’était simple. Il n’y avait qu’un nombre limité de partenaires auxquels s’adresser pour recueillir les royalties. Puis le digital est arrivé, puis le streaming, et les montants collectés sont devenus de plus en plus petits, tandis que le nombre de fournisseurs et d’interlocuteurs augmentait.
Si le coût du marketing digital était encore raisonnable il y a 5 ans, le recours à cette forme de marketing de plus en plus fréquent sur le secteur et la spécialisation de l'activité a obligé les décideurs à gonfler leurs budgets en ligne et à grignoter sur les budgets marketing classiques. 
Finis, les relevés de compte simples et transparents

– ils sont désormais remplacés par des colonnes de chiffres, une abondance de données, des divergences dans les calculs des droits d’auteur et des analyses discutables sur l’utilisation réelle de la musique. Il ne reste donc que des relevés basés sur les informations fournies par les plateformes des téléchargements et de streaming, et surtout sur leur bonne foi.

Ce sujet a été longuement discuté lors du Reeperbahn Festival, à Hambourg en septembre dernier, au cours duquel le fondateur d’iMusician Shigs Amemiya, le PDG de Finetunes Oke Göttlich et Rob Gruschke, de Beggars Group, se sont rencontrés pour parler du « chaos » des paiements digitaux. Ils ont fait des suggestions pour améliorer la transparence et la moralité dans l’industrie de la musique en ligne.

Les  sociétés de gestion  collective doivent aujourd’hui gérer « 1000 fois plus de transactions qu’avant, elles-mêmes 1000 fois plus petites qu’elles ne l’étaient auparavant », explique Amemiya. « Au lieu de quelques billets, elles recueillent de nombreuses pièces, et chacune d’entre elle est distribuée à une personne différente. Le coût administratif est énorme si cela n’est pas automatisé. »

La situation actuelleIl n’y a aucun standard international, tel qu’un nombre unique ou un code barre, pour traquer les morceaux. Les « rapports d’usage » sont donc utilisés à la place. Ces rapports, qui exigent des informations telles que le nom du compositeur et le titre de la chanson, sont envoyés aux sociétés de gestion collective (SACEM en France, PRS For Music au Royaume-Uni, GEMA en Allemagne, ASCAP aux États-Unis ou STIM en Suède pour n’en citer que quelques-unes) qui réattribuent ensuite les paiements aux artistes.
Or, de simples erreurs de transcription ou d’orthographe suffisent pour que l’argent ne soit pas versé à la bonne personne. Les revenus du streaming sont même parfois laissés dans des « boites noires » suite à des erreurs administratives, explique Ameniya. « Il y a actuellement environ 5,7 milliards d’euros dans cette boite, GEMA gardant environ 1 milliard d’euro de royalties non réclamées. »
Politiques
Mais alors pourquoi est-ce qu’un standard international n’a pas encore été créé ? Il en était question. Un projet de grande base de données mondiale des droits d’auteur (Global Repertoire Database, ou GRD) a été conçu pour devenir l’unique autorité sur les données en ligne : elle devait rassembler toutes les informations relatives aux œuvres musicales des sociétés de gestion du monde entier. Près de 8 millions de livres sterling ont été dépensés depuis 2008, sur le compte des éditeurs et des auteurs-compositeurs, avant que le projet soit interrompu cette année. Pourquoi a-t-il été interrompu ? Parce que la plupart des sociétés de gestion collective ont  refusé de continuer à financer ce projet.Le GRD exigeait 18 millions de livres sterling supplémentaires pour pouvoir prendre forme, un financement qui était attendu de la part de 12 sociétés de gestion collective internationales. Certaines d’entre elles se sont rétractées, et le projet a été interrompu. Le groupe américain ASCAP a été le premier à se retirer, suivi par la SOCAN (Canada), la PRS For Music (Royaume-Uni), la SACEM (France), la SIAE (Italie) et la SGAE (Espagne). Mais, pour quelles raisons ?
 
Certes, les sociétés de gestion collective n’ont aucun intérêt à ce que le GRD voit le jour. Dans l’état actuel des choses, elles contrôlent toutes les données, ce qui leur donne du pouvoir et une raison d’exister (autre que l’octroi de licences musicales aux établissements tels que les magasins, les salons de coiffure, les bars et restaurants). Certaines sociétés gardent ces données secrètes afin que tous les services soient obligés de traiter avec elles, plutôt que de le faire directement avec les compositeurs ou les éditeurs. Le GRD menaçait leurs intérêts et c’est pourquoi il a été abandonné – bien qu’il aurait largement profité à ceux-là même dont les sociétés de gestion collective sont censées défendre les intérêts.
Amemiya ajoute : « Le fait est que les sociétés de gestion collective prennent toujours une part, qu’elles aient payé les royalties aux artistes ou non. Elles gagnent les mêmes sommes quoi qu’il arrive, et une nouvelle solution impliquerait la mise en place de nouvelles infrastructures et technologies, ce qui aurait un coût – il n’y a donc aucune motivation financière pour qu’elles souhaitent changer le système. Elles disent vouloir changer, mais cela fait 10 ans que la révolution digitale a commencé, et vouloir changer ne suffit pas»:

Solution
Göttlich, de Finetunes, rappelle que, malgré tous ces défauts, il est crucial d’avoir une voix collective par le biais des sociétés de gestion collective. Il ajoute : « mettre toute la faute sur les sociétés de gestion collective n’est pas la solution ». « Nous ne devons pas oublier que des associations comme la GEMA sont essentielles, pour une raison en particulier : il s’agit du seul organisme de solidarité dans l’industrie musicale, permettant à des artistes comme Rihanna et Madonna, où à de petits labels indépendants de percevoir les mêmes revenus pour l’utilisation de leur musique. »
« Nous sommes dépassés par la transparence que nous offre les nouvelles technologies. Nous devons travailler ensemble – nous devons habiliter la GEMA en leur disant quel genre de données nous recevons, ou ce dont nous avons besoin pour que le traitement de ces données se fassent d’une façon plus performante. » D’autres initiatives sont en cours pour simplifier le traitement et l’octroi des droits d’auteur. GEMA, PRS et STIM se préparent à lancer un centre paneuropéen pour les licences au début de l’année prochaine, et WIN et Merlin ont annoncé qu’ils travaillaient avec des experts en droits voisins pour constituer une grande base de données.
Mais en fin de compte, le pouvoir est dans les mains des créateurs de l’industrie musicale. Gruschke conclut : « Nous avons le pouvoir de tout arrêter, c’est nous qui dirigeons les sociétés de collection collective : ce sont les éditeurs qui dirigent la GEMA (l’équivalent allemand de la SACEM), et ce sont les artistes et les labels qui dirigent la GVL. Nous devons affirmer clairement que ce n’est pas ce que nous voulons, que nous voulons des changements. »